El atlas de las nubes

El atlas de las nubes (Cloud Atlas, 2012)

Duración: 172 min. Director:  Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski (AKA Larry Wachowski). Guión: Andy Wachowski, Lana Wachowski, Tom Tykwer (Novelas: David Mitchell). Música: Reinhold Heil, Johnny Klimek, Tom Tykwer. Fotografía: Frank Griebe, John Toll. Reparto: Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Du-na Bae, Ben Whishaw, James D'Arcy, Xun Zhou, Keith David, David Gyasi, Susan Sarandon, Hugh Grant, Robert Fyfe, Martin Wuttke, Robin Morrissey, Brody Lee, Amanda Walker, Ralph Riach, Andrew Havill.
La película se compone de seis historias interrelacionadas y entrelazadas, que nos llevan desde el Pacífico Sur, en el siglo XIX, pasando por el presente, hasta un futuro post-apocalíptico. Un abogado en 1849, en plena explotación de la esclavitud; en 1936, un joven músico inglés, que encuentra trabajo como copista para el famoso compositor Vyvyan Ayrs; en 1974, Luisa Rey una periodista; en 2012, Timothy Cavendish, un editor literario; y, Zachry, quien vive en un poblado primitivo.
Este film es una adaptación de la novela de David Mitchell, con un planteamiento, según su autor, “...como un mosaico puntillista...”. Sólo pinceladas sueltas, la información suficiente para atraparnos, sin adelantar acontecimientos, para minutos después comenzar, otra vez, en otro momento temporal. Cuando el espectador lleva varios saltos en el tiempo, cree que no entiende nada. Pero, poco a poco, nuestra cabeza va hilando, encajando las piezas del puzle.
Los hermanos Wachowski, creadores del universo “Matrix”, película que supuso un antes y un después en el cine contemporáneo, ha vuelto a intentar crear un mundo complejo, en el que nada es lo que pueda parecer, y con claras reminiscencias a Matrix, por lo menos, en lo referente al futuro que se nos muestra. Después de superar el desconcierto, cuando hemos contemplado casi tres horas de imágenes, y asimilamos más tarde tanta información, es en ese momento, cuando se puede hacer una valoración del film, y cuando el mensaje o la moraleja comienza a aflorar en nuestra mente. Un mensaje, por cierto, cercano a nuestro gran refrán: “Quien siembra, recoge”... O, quizá, nunca es tarde para cambiar, y siempre hay una salida...  Cada uno, terminará de ver la película, y no será capaz durante horas de decir de qué va esta compleja historia. Realmente, es un producto bien realizado, acaso con un leve toque pretencioso, tanto en lo que destila de su contenido, como en la forma. Y  en ésta, por la utilización de un mismo actor para varios papeles. Tom Hanks, aparece en las seis historias temporales, soportando el peso como protagonista, y mostrando y desplegando la versatilidad que posee. Algunos actores, tan magníficamente maquillados,  con un excelente trabajo de caracterización, están irreconocibles. ¡Cuesta saber quiénes son...! Gran elenco de profesionales, y todos ellos cumpliendo a la perfección con sus respectivos papeles. Una fotografía cuidada, delicada, sugerente, con "marca de la casa".
Con este film, ocurrirá algo parecido a lo que sucedió con “Matrix”, humillada por la crítica, y por los gurús del cine, nacionales e internacionales. Y, sin embargo, aclamada por el público, sediento de historias, de que los transporten a otro mundo, sin más necesidad que el mero entretenimiento, que contenga un tono casi épico, y un mensaje que cada cual puede interpretar libremente. Y, así, nadie estará en plena posesión de la verdad.

Las sandalias del pescador

Tu est Petrus

Las sandalias del pescador (The Shoes of the Fisherman, 1968)

Duración: 157 min. Director: Michael Anderson. Guión: John Patrick & James Kennaway (Novela: Morris West). Música: Alex North. Fotografía: Erwin Hillier. Reparto: Anthony Quinn, Laurence Olivier, Oskar Werner, David Janssen, Barbara Jefford, Leo McKern, Vittorio De Sica, John Gielgud, Paul Rogers, Clive Revill.

En la URSS, después de pasar veinte años en un campo de trabajos forzados en Siberia, el arzobispo ucraniano Kiril Lakota, (Anthony Quinn)  , recibe la noticia de su liberación, por el presidente ruso Kamenev. El presidente, había sido su carcelero 20 años atrás, en la prisión de Liubianka, en Siberia. Liberado, lo envían directamente al Vaticano. El Papa Pío XIII le restablece lo que debería pertenecerle, su dignidad, nombrando a Kiril, Cardenal. El Papa, cae gravemente enfermo y el mundo vive en un estado permanente de crisis.

Ante los nuevos acontecimientos, hemos aprovechado para hablar de esta gran película. En la elección de un Papa, ocurre algo que va más allá de una cuestión de creencias, o de religión. Enlaza con aspectos tradicionales, ritos que nos fascinan, y que se han perpetuado a lo largo de los siglos con pocas o ninguna modificación. Eso fascina al hombre moderno, dando un toque de continuidad, en su turbulento universo. Todo lo ritual, bodas reales, funerales de mandatarios, o la elección de un Papa, es una cuestión mediática.

Esta película, basada en el maravilloso libro, (premonitorio), de Morris West, muestra todos los ritos, aquello que no vemos cuando el camarlengo cierra las puertas, (no en vano, cónclave deriva de “cum clavis” bajo llave). La curia romana, se reúne para elegir quién portará las sandalias del pescador, el sucesor de Pedro. Pero, esta película, va más allá de la necesidad de un líder espiritual, el mundo quiere un mediador para la posible e inminente guerra mundial, que pronto podría producirse. Rusos, chinos y occidente,  generarían una contienda inimaginable con misiles nucleares. Todo ello,  ocasionado por el hambre y la política. El nuevo Papa, Kiril, podría hacer temblar las bases de la Iglesia católica, empeñando hasta el último objeto valioso, para paliar el hambre. Este film es complejo, por la cantidad de tramas paralelas que conlleva: Un matrimonio a punto de divorciarse, un cura científico cuestionado por su poca fe, la soledad de quien es la autoridad de Roma, y no poder callejear… Esta gran película, planteó la necesidad de un pontífice moderno y dialogante, incluso con otras religiones. Sin olvidar cuestiones morales, o esa diatriba entre ciencia y religión.

Gran producción, con vestuarios, recreaciones de los lugares, rigor, una buena adaptación de la novela, y un estilo casi documental, con grandes secuencias del interior del Vaticano, y las calles de Roma. No hay que olvidar a sus impresionantes actores: Un extraordinario y entrañable Anthony Quinn, en el papel de su carrera. Laurence Olivier con sentimientos retorcidos, aunque enfrentado a sí mismo. Oskar Werner, mostrando el tormento de ver pasar la tiara, y no ser él uno de los elegidos. Y Vittorio De Sica irreconocible, formidable, forman un reparto de lujo, en el que todos despliegan lo mejor de su experiencia como actores. Impresionante film que salvo por algunas cuestiones ya superadas, referidas a las sub-tramas, no pasará de moda, y permanecerá siempre vigente, cuando el mundo permanezca expectante,  esperando la aparición de la fumata bianca.

La noche más oscura

La noche más oscura (Zero Dark Thirty, 2012)

Duración: 157 min. Director: Kathryn Bigelow. Guión: Mark Boal. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Greig Fraser. Reparto: Jessica Chastain, Joel Edgerton, Taylor Kinney, Kyle Chandler, Jennifer Ehle, Mark Strong, Chris Pratt, Mark Duplass, Harold Perrineau, Jason Clarke, Édgar Ramírez, Scott Adkins, Frank Grillo, Lee Asquith-Coe, Fredric Lehne, James Gandolfini, Reda Kateb, Fares Fares, Stephen Dillane.

Los hechos de la película parten del atentado del 11-S, (en los títulos iniciales). Arranca la trama dos años después, con la incorporación a la delegación de la CIA en Pakistán, de Maya, una joven agente de la CIA. Thriller sobre la operación militar que acabó con la vida de Osama Bin Laden, líder de Al Quaeda. El título original, Zero Dark Thirty, hace referencia a la hora: las 00:30 de la madrugada del 1 de mayo de 2011, momento en que el comando SEAL de los marines, penetró en la residencia de Bin Laden en Pakistán, para eliminar al hombre más buscado de la historia.

Potente film que mezcla una dirección con estilo periodístico, deslumbrando al espectador, si desatender un cierto intimismo. Una combinación, casi imposible, que esta directora ha sabido conjugar con verdadera maestría. Ni manipulación, ni maniqueísmo..., la directora se contiene, a pesar de lo fácil que podría resultar posicionarse, realizar un alegato de justificación de la muerte de un ser humano, con premeditación y alevosía, con la más absoluta sangre fría. Sin embargo, Bigelow derrama inteligencia mostrando la ira, la furia de un pueblo que tiene un único objetivo en su mente, matar a Bin Laden. Aunque asume ciertos clichés sobre el mundo musulmán, que extrañan en esta directora. Kathryn Bigelow posee una extensa carrera, con títulos que en su momento pasaron sin mucho éxito, pero que han ganado con los años, como “Le llaman Bodhi”, (1991), o “Días extraños”, (1995), sin olvidar su más reciente produccioón, y, a la vez, gran éxito, “En tierra hostil”. En todas ellas, un componente bélico, la ambigüedad del espía y el espiado, la guerra como forma de vida, la vida privada de un soldado o policía, que puede disponer de una doble moral: La del trabajo, y la suya personal.

En esta ocasión, la directora retuerce sus obsesiones, despliega varios elementos que se encontraban en su filmografía, reunidos en una fantástica película, con carga visual propia de la casa.

Jessica Chastain, es una actriz sólida y afianzada, que en este film ha encontrado ese toque de gracia, que todo actor quiere experimentar. El resto del reparto, muy correcto.

Sorprende que esta temporada sean dos películas sobre el papel de la CIA en el mundo, como si se tratara de un lavado de imagen planeado, meditado, como si fuera una campaña de publicidad. Cada cual que saque sus propias conclusiones.

Una buena muestra de la búsqueda constante de venganza, disfrazada de redención por la población estadounidense. La transformación de un pueblo en su búsqueda, y la catarsis por el daño sufrido. Excelente película.

Siete psicópatas

Siete psicópatas (Seven Psychopaths, 2012)

Duración: 109 min. Director y guión: Martin McDonagh.  Música: Carter Burwell. Fotografía: Ben Davis. Reparto: Colin Farrell, Sam Rockwell, Christopher Walken, Woody Harrelson, Tom Waits, Abbie Cornish, Olga Kurylenko, Gabourey Sidibe, Harry Dean Stanton, Kevin Corrigan, Zeljko Ivanek, Michael Stuhlbarg, Michael Pitt.

Marty (Colin Farrell),  es un escritor que no llega a fin de mes, sueña con terminar un guión titulado Siete Psicópatas. Billy (Sam Rockwell) es su mejor amigo, un actor sin empleo que quiere ayudar a Marty en el guió, y que además, en sus tiempos libres, se dedica a robar perros a cambio de recompensa, junto a otro personajes peculiar, Hans (Christopher Walken), un hombre religioso de pasado violento... Un mal día le roban un Shin Tzu al hombre equivocado: Charlie (Woody Harrelson), un gangster imprevisible y extremadamente violento. Marty va a conseguir toda la inspiración que necesita conviviendo con personajes fuera de control, psicópatas reales, intentando sobrevivir a los acontecimientos.

Martin McDonagh vuelve a sorprender, después de una primera película peculiar y que pasó desapercibida, “Escondidos en Brujas”. En esta ocasión, algo más alocada, con las lecciones de los maestros del género. Por una parte, el director, ha bebido de Oliver Stone, “Asesinos natos”, (cuando no se ajusta a los cánones). Por otra parte, evidente, no descubrimos nada, se aproxima a Tarantino, tanto por la violencia extrema, como por el cinismo que destila. Esas son las credenciales de la película que despliega más ingenio que contenido. Ingenio por todas las acrobacias del guión, la poco convencional forma de narrar, las piruetas escénicas, giros del destino, y truculentos cruces de los personajes en el tiempo. Sin embargo, ese ingenio, es el que aparca los inconvenientes del contenido, que a veces el director no controla, se le escapa, y podría haber sido un desastre. Pero, la audacia del director y una cuidada dirección de los actores, hace que remonte la película y queden más aspectos positivos en su conjunto.

En el reparto, coral, y sin necesidad de que haya un protagonista claro, (todos gozan de su metraje en solitario, con la misma intensidad), encontramos a un dudoso Colin Farrell, que no termina de funcionar, con una pose de “pasar de todo”, que no hace gracia. Sin embargo, Sam Rockwell es el actor que está en su sitio, y compensa bastante a su compañero Farell. Christopher Walken con la talla de un gran actor, muy bien perfilado, y correcto. Woody Harrelson, quien no encuentra en Hollywood su camino, ni su gurú, en “7 psicópatas” llega a recordarnos al pesonajes de la película de Oliver Stone, antes mencionada, con profesionalidad. Por supuesto, el placer de ver en pantalla a Tom Waits, quien ejerce de "verdadero" psicópata.

Un film para aquellos que no tengan prejuicios, aguanten minutos cercanos al gore, con toques de violencia gratuita, y que la sangre parezca que salpica a la cámara. Una película que se escapa de los convencionalismos del cine comercial. Entretenida, ingeniosa y ácida.

Reparto de premios: Oscar 2013

Reparto de premios: Oscar 2013

Tras la resaca correspondiente a la entrega de los premios Goya, y sin habernos repuesto de algunos premios dudosos, llega la entrega de los premios de la academia de Hollywood. ¡Sorpresa! Reparto de premios, y... todos contentos. A veces, creemos que ya estamos curados de espanto, o que nada nos puede sorprender... nada más lejos de la realidad. Todo lo contrario. Cuando "Argo" se alzó con el premio a mejor película, pasó por nuestra pensamiento, la idea de que los académicos, en esta ocasión, y sin crear precedentes peligrosos, habían votado con la cabeza, meditando, y discerniendo. Sin dejarse llevar por los aspectos mediáticos, las recaudaciones, ni la opulencia desplegada en la realización de la película. "Argo", contra todo pronóstico, pero a sabiendas de que la crítica ha admirado la película, es justa vencedora. "La vida de Pi", consiguió que el director Ang Lee, triunfara personalmente, con su reconocimiento como director. Además, se llevó también la fotografía, banda sonora y efectos especiales. "Los miserables", no llegó a cuajar, y sólo alcanzó algunos premios menores: Mejor actriz secundaria para Anne Hathaway, con nuestras reticencias, y las de muchos más. Lástima para el español Paco Delgado, que se quedó sin su Oscar, por el vestuario de “Los Miserables”, que se lo llevó Jacqueline Durran por su trabajo en “Anna Karenina”. Si bien, reconocieron la labor de maquillaje, y mejor sonido, dado que el musical grabó en directo muchas de las canciones. En los dos apartados de guión, mejor guión adaptado fue para “Argo”, y mejor guión original para Quentin Tarantino, con su “Django desencadenado”, que también  obtuvo un gran premio, muy acertado,  al mejor actor secundario, Cristoph Waltz.

Mejor actor para Daniel Day-Lewis, en su prodigiosa recreación del personaje de   “Lincoln”, la Academia barriendo para casa como siempre, por la temática. Algo menos acertado, a nuestro parecer, el premio a Jennifer Lawrence, por el “El lado bueno de las cosas”.

Hollywod, confirmó, en película de habla no inglesa, su predilección por el director Michael Haneke, con su película “Amor”, un trabajo interesante del director austriaco que concentra personajes, como eshabitual en él, delicados, frágiles, en un análisis del ser humano, afrontando una enfermedad. En el apartado de animación, “Brave”, dirigida por Mark Andrews y Brenda Chapman, una entrañable película sobre el destino de las personas, en “modo” infantil. En lo relativo a documentales, sección que siempre entraña las peores posibildades de determianar un ganador claro, o favorito, hubo que esperar a que se abriera el sobre y leyeran el título. En esta ocasión, “Inocente”, fue la ganadora, cuando “Open Heart” o “Mondays At Racine” partían con más posibilidades. “Inocente”, es un documental de Sean Fine y Andrea Nix, sobre la superación personal de un adolescente.

Hablando propiamente de la gala de entrega de premios, la 85ª edición en el antiguo teatro Kodak, contó con cuatro horas de “autobombo”, con bastanres toques de humor, aprovechando al creador de la serie de televisión, “Padre de familia”, Seth MacFarlane, como presentador, en un intento de que la ceremonia volviera a tener popularidad e índices de audiencia deseados, aunque no lo consiguió.

Goya 2013

“Sobre” los Goya (2013)

Los premios Goya, han logrado un enfoque mediático, como jamás se había obtenido: 3.917.000 teleespectadores y un 22,2% de cuota de pantalla. Al día siguiente, en los corrillos del trabajo, muchos comentaban que habían cambiado de canal en la televisión, al recibir un mensaje, avisando de las críticas al gobierno. Todo el mundo estaba esperando que el gremio de actores, tuviera el valor, ante las cámaras, ante el ministro Wert, ante los telespectadores, de expresar muchas de las cosas que todo pensamos. Si bien, con cierto humor, con respeto e inteligencia...

Impresionante Eva Hache, aunque en alguna ocasión debería haberse controlado. Sin embargo, la crispación general, lo requería. Quizá esta será una gala que pasará a ser recordada por lo amena que fue... No por su contenido, sino por las continuas críticas de los premiados, esperarando a ver quién iba a “soltarla” más gorda. Siempre hemos mantenido el convencimiento de que el cine es cultura, pero no olvidemos que, ante todo, es una industria, y como tal, pretende un lógico beneficio. La pérdida de subvenciones no debería ser óbice para que nuestro cine se regenere. Los recortes de la ayuda pública, ese bastón, lazarillo, o papá, no justifican que no se pueda hacer un cine de calidad. Si es una industria, debe serlo con todas sus consecuencias. Y, los premios de este año nos dan la razón, se pueden hacer buenas películas, sin ayudas, y, además, rentables. Sólo  faltan buenos guiones, y no mirarnos el ombligo, no hacer burdas parodias, y no termina en la trasnochada solución de la España cañí. “Lo imposible”, “Tadeo Jones” y “Blancanieves”, son un buen ejemplo. Cine superando los complejos, llegando muy lejos y sin límites. La gala establece a Juan Antonio Bayona, como mejor director por “Lo imposible”, merecidísimo, y, a mucha distancia de sus competidores, acercándose a las producciones americanas, mirando de tú a tú a otros directores internacionales. Por otra parte, “Blancanieves” se convierte en la triunfadora de la noche, con 10 galardones, aunque con reticencias por nuestra parte. No es “The artist”, ni mucho menos, ni su director es Hazanavicius, aunque haya mimado la película, rindiendo homenaje al cine mudo, o a la estética del expresionismo alemán. “Tadeo Jones”, recogiendo sus premios es el mayor acto de justicia de nuestra cinematografía.

Este año, los Goya, nos aportan equivocaciones de “sobres”, (muy propio de estos tiempos), críticas al ministro, a los recortes sociales, y, la paradoja de que algunos actores viven en su mansión de Hollywood, pero, aparecen en los Goya, a reclamar justicia social, y... subvenciones.

La semana que viene, intentaremos retomar “Blancanieves” para saber si los académicos poseen la razón que ostentan tener...  Porque no son infalibles ni indiscutibles... Aunque eso quisieran...

 

Las ventajas de ser un marginado

Las ventajas de ser un marginado (The Perks of Being a Wallflower, 2012)

Duración: 103 min. Director: Stephen Chbosky. Guión: Stephen Chbosky (Libro: Stephen Chbosky). Música: Michael Brook. Fotografía: Andrew Dunn. Reparto: Logan Lerman, Emma Watson, Ezra Miller, Mae Whitman, Kate Walsh, Dylan McDermott, Melanie Lynskey, Nina Dobrev, Johnny Simmons, Joan Cusack, Paul Rudd, Nicholas Braun, Reece Thompson, Julia Garner, Tom Savini, Adam Hagenbuch, Zane Holtz.

Charlie, (Logan Lerman), un joven tímido y marginado, escribe una serie de cartas a una persona sin identificar, en las que aborda asuntos como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, el sexo o las drogas. El protagonista, tendrá que afrontar el primer amor, (Emma Watson), el suicidio de su primer amigo y su propia enfermedad mental. Al mismo tiempo, lucha por encontrar un grupo de personas con las que pueda encajar y sentirse a gusto.

Nos encontramos ante un caso raro, un escritor, que realiza el guión, y además dirige la película. Quizá por ello, el conjunto es más que digno, fiel a sus principios, con una  cariñosa visión de los personajes, tratados con mimo, con especial cuidado, perfilando al marginado que encuentra su lugar, al lado de otros marginados. Nueva vuelta de tuerca a los conflictos de la adolescencia, sumado a esa obsesión enfermiza de los norteamericanos por la popularidad, por cumplir con los prototipos sociales establecidos, dar los pasos adecuados, y no salirse del rol que se espera de cada uno. Es una película, que enlaza con facilidad con las personas que han dejado la adolescencia hace un par de décadas, dado que los adolescentes actuales no creemos que puedan conectar con estos personajes. Por otra parte, al aparecer los títulos de crédito, hubiéramos deseado ver, cómo será su segunda parte natural, “Reality Bites” de Ben Stiller. En “Las ventajas de ser un marginado”, nos adentramos en la vida de aquellos que se encuentran perdidos antes de llegar a la universidad, y se quieren enfrentar a una nueva vida, con una oda a la amistad... Deseando hacerse mayores. “Reality Bites”, remata con la vida después de la universidad, la incertidumbre de hacerse mayor, con la amistad madurada. La soledad en ambas películas, la necesidad de encontrar amigos, o sentirse un bicho raro compartiendo esa implacable soledad. Film que mezcla oscuridad y brillos, tristeza y alegría, con un poso más sobrio que el esperado, al enfrentarse a una película sobre adolescentes.

Un reparto sorprendente. Logan Lerman, desconocido, interpretando a Charlie, en un papel de tímido, y, sin embargo, cargado de fuerza. Emma Watson, se desprende de su alter ego, Hermione Granger, de Harry Potter. Nos han fascinado, tanto su interpretación como su belleza. Ezra Miller, un descubrimiento, un actor con mayúsculas, en un papel difícil, secundario, pero que se alza en algunos momentos  del film, con mayor potencia que su protagonista.

Para culminar, una banda sonora aplastante, con temas de Cocteau Twins, David Bowie, XTC, The Smiths…, además de los temas propios de Michael Brook. Una fotografía acertada, con una dirección novel que ha dejado buenas sensaciones.

Hitchcock

Hitchcock (Alfred Hitchcock and the Making of Psycho, 2012)

Duración: 98 min. Director: Sacha Gervasi. Guión: John J. McLaughlin, Stephen Rebello (Libro: Stephen Rebello). Música: Danny Elfman. Fotografía: Jeff Cronenweth. Reparto: Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, James D'Arcy, Jessica Biel, Toni Collette, Danny Huston, Michael Stuhlbarg, Kurtwood Smith, Richard Portnow, Ralph Macchio, Michael Wincott, Frank Collison.

En la cima de su carrera como director, Alfred Hitchcock decide arriesgar. Pero, esta vez, terror de verdad, lo cual era considerado de serie B. Ningún estudio quiso apoyar el proyecto de “Psicosis”, así que Hitchcock decide financiarse él mismo y rodarla con un equipo barato de TV. El resultado..., todos lo conocemos. Pero lo que no habíamos visto en una pantalla, es al propio director, con sus obsesiones, y sus manías.
A cualquier cinéfilo que se precie, le gusta contemplar un film, en el que se ve cómo se hace cine. Una película dentro de la película. Ya es un tema recurrente: “Cantando bajo la lluvia”, Stanley Donen, “El crepúsculo de los dioses”, Billy Wilder, “Vivir rodando”, Tom DiCillo…, por citar algunas. Si, además, te intentan mostrar al maestro del cine, Hitchcock, la experiencia puede ser cercana al éxtasis. Pero, no... ¡Lástima! Se ha quedado en buenas intenciones. Falta rigor, por mucho que el director afirme que recabó información de aquellos que lo conocieron. Además, el guión no ha profundizado, sólo ha arañado la superficie del personaje. Queríamos más Hitchcock, su forma de rodar, los rituales, la obsesión con sus actrices... Este film insinúa mucho, pero no define nada. Para aquellos que quieran conocer a este gran director, este no es el film. Sólo podrán encontrarlo en un libro, no en una pantalla: “El cine según Hitchcock”, de François Truffaut. Las entrevistas que mantuvo Truffaut con el maestro. El afán por mostrar su vida privada, a nuestro parecer, no es bastante para esta ocasión. Demasiados intentos por realzar la figura de su mujer. Faltan más sueños, esos fantasmas que le perseguían, y que aparecen para dar pistas de cómo rodar la película. Esa es la parte interesante del film, poco aprovechada. Es un personaje con tantas facetas, que su sola presencia, y un análisis de su actividad como director, podría ser suficiente. El cinéfilo, echará de menos que le muestren a Hitchcock en acción, o con sus papeles, en su ambiente. 
Anthony Hopkins, después de un visionado en versión original, se comprende muy bien su trabajo.  Se aprecia la gran caracterización, la asimilación de gestos, posturas, forma de andar y de hablar... Helen Mirren, en su sitio. Y, como siempre, una garantía para cualquier película. Scarlett Johansson, lo sentimos, muy guapa, sensual, y todos los halagos que se puedan desprender de su belleza, pero sin nada más.
Divertido planteamiento para mostrarnos a Hitchcock, hablándonos a los espectadores, como en sus programas de TV. Una buena dirección, dos grandes actores, excelente recreación de la época, pero sin un guión sólido. Por cierto..., una recomendación: Conviene esperar hasta el final de los títulos de crédito.

El hombre de las sombras

El hombre de las sombras (The Tall Man, 2012)

Duración: 115 min. Director: Pascal Laugier. Guión: Pascal Laugier. Música: Jeff Danna. Fotografía: Kamal Derkaoui. Reparto: Jessica Biel, Jodelle Ferland, Stephen McHattie, Jakob Davies, William B. Davis, Samantha Ferris, Katherine Ramdeen, Kyle Harrison Breitkopf, Teach Grant, Alicia Gray, G. Michael Gray, Eve Harlow, John Mann, Jodi Sadowsky, Garwin Sanford, Josh Strait, Colleen Wheeler.

Julia, es una joven enfermera que vive en un decadente pueblo de los Estados Unidos, en el que, inexplicablemente, han desaparecido varios niños en muy poco tiempo. Los más supersticiosos, atribuyen las desapariciones al Hombre Alto: Un oscuro personaje que, según la tradición, se lleva a los niños. Cuando desaparece también el hijo de Julia, ella luchará no sólo por recuperarlo, sino también por averiguar quién es el Hombre Alto y qué les ocurre a los niños raptados.

El terror no siempre se presenta de la misma forma, posee múltiples caras, incontables facetas, siempre se puede arañar la mente humana para crear nuevas posibilidades para aterrarnos. En este film, es el terror psicológico/sociológico, como forma de no repetir iconos que pueden inducir al cansancio, dado que el espectador evoluciona, y los viejos mitos ya no hacen gritar ni acelerar el pulso a un espectador habituado, o a las nuevas generaciones que no son fácilmente impresionables. Los viejos mitos no sirven, están caducos. El cine de terror debe reinventarse, y, este film, presenta nuevas formas de terror. Además, no es terror continuado, sino más bien, angustia perpetua. No es un concepto de película de terror clásico, este film plantea algo más, algo que no debe ser desvelado, que corresponde que lo vivamos, y acaso, sufrir. Los giros, muy hábiles, con numerosos trucos para embaucar, con un guión muy sólido escrito por el propio director. En otras películas, “El internado”, o “Mártires”, Pascal Laugier, no había conseguido despegarse de los convencionalismos, y utilizaba en exceso el susto momentáneo, sobresaltar en cualquier contexto, sin un planteamiento de guión sólido. Todo lo contrario en esta ocasión. Gratamente, nos ha sorprendido. Laugier ha mejorado notablemente, creando terror, no realizando “refritos”.

En el reparto, Jessica Biel, con una interpretación sorprendente. Jodelle Ferland, aparece al paso de los minutos, cuando la película ha consumido parte de su metraje. Esta actriz parece ser otra, mejora, creciendo en pantalla. Interpretaciones muy sólidas, acompañadas de una buena fotografía, y una inmejorable planificación de planos. Revolotea la sombra de Shyamalan, con los elementos sobrenaturales, y con los múltiples símbolos que deja su director, para tratar al espectador con inteligencia. Sin embargo, tenemos una ligera objeción: La voz en off, perfectamente prescindible. Valoración global: Muy recomendable y sorprendente.

Django desencadenado

Tarantino desmedido.

Django desencadenado (Django Unchained, 2012)

Duración: 165 min. Director: Quentin Tarantino. Guión:    Quentin Tarantino. Música: Varios. Fotografía: Robert Richardson. Reparto: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Kerry Washington, Don Johnson, Walton Goggins, James Remar, Dennis Christopher, Michael Parks, Bruce Dern, Franco Nero, Jonah Hill, Tom Savini, M.C. Gainey, RZA, Todd Allen, James Russo, Tom Wopat, Misty Upham, Gerald McRaney, Cooper Huckabee, Laura Cayouette.

Dos años antes de estallar la Guerra Civil Americana, King Schultz, un cazador de fugitivos alemán que  sigue la pista de unos asesinos, le promete al esclavo negro, Django, dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos. Terminado con éxito el trabajo, Django prefiere seguir al lado del alemán y ayudarle a capturar a los delincuentes más buscados del Sur. Se convierte así, en un experto cazador de recompensas, pero su único objetivo es rescatar a su esposa Broomhilda, a la que perdió por culpa del tráfico de esclavos. La búsqueda llevará a Django y a Schultz hasta Calvin Candie, el malvado propietario de la plantación "Candyland".

Tarantino, ha encontrado la forma de convertir cualquier género, en este caso el “Spaguetti western”, en un espéctaculo visual sin precedentes. Ya lo hizo con Malditos bastardos”, (cine bélico), y “Kill Bill”, (cine japonés). Creemos que desde la inolvidable “Sin perdón”, de Eastwood, no habíamos visto nada igual. Además, esto sumado a la potencia y tono gamberro de este director. 

Música: Algo que aquellos que hemos crecido a golpe de videoclip, con la MTV como si fuera nuestro evangelio, hemos encontrado en Tarantino al gurú, aquel que es capaz de sincronizar música e imagen como nadie, buscar entre miles de canciones, para dar con aquella que se ajusta al momento, y a la situación, por su letra y ritmo.

Si bien, esta vez, Tarantino ha sido más convencional en su planteamiento narrativo, le ha faltado  sutileza, dominar algo más el ritmo, y rematar sin tanta simplicidad. Pero, claro, en casi tres horas, es difícil hacerse con el tempo adecuado. Lo bueno es que no hay un solo instante para el aburrimiento. Cuando parece que no está contando nada, todo lo contrario. Tarantino, siempre afirma que realiza cine como si fuera una novela, aportando más información: pensamientos de los personajes, descripciones, colores, sensaciones, sonidos, diálogos absurdos, trivialidades…

Christoph Waltz, excepcional, no hay nada que poder objetar de este gran actor. Leonardo DiCaprio está madurando, ya no es un “niñato” guapo, comienza a ser un actor. Jamie Foxx, es más dudoso. El personaje no deja apreciar demasiado sus dotes como actor. Samuel L. Jackson, habitual del director, realiza un trabajo algo desmedido, aunque suponemos que esa sea la intención. Además, las divertidas apariciones de Don Johnson y Franco Nero.

Una película de tono épico: Mentor, héroe (aprendiz) y villano. El bien y el mal, la ambigüedad, o, el cambio de perspectiva ante esos planteamientos.

Tarantino ha absorbido a Ford, Kurosawa, Peckinpah y Eastwood; los ha mezclado en esta película, ha añadido música, su especial sentido de la imagen, sangre, violencia desmedida y una especial habilidad para analizar la naturaleza humana, y los mecanismos que la hacen funcionar. Combinar la violencia con los momentos cómicos, parodiar sin caer en lo soez, y pulverizar con sangre toda la pantalla, sin resultar desagradable. Intentamos ver el cine de Tarantino con lupa, sin dejarnos engatusar, analizarlo todo,  porque ya sabemos sus trucos…, y siempre nos engaña y atrapa, como si fuera la primera vez.

The Master

The Master (2012)

Duración: 137 min. Director: Paul Thomas Anderson. Guión: Paul Thomas Anderson. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Mihai Malaimare Jr. Reparto: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern, Kevin J. O'Connor, Rami Malek, Jesse Plemons, Fiona Dourif, David Warshofsky, Lena Endre.

Drama basado en la Iglesia de la Cienciología. Lancaster Dodd, (Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones, crea una organización religiosa que comienza a hacerse popular en Estados Unidos, hacia 1952. Freddie Quell, (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convertirá en la mano derecha de este líder religioso. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer a numerosos y fervientes seguidores, a Freddie le surgirán las inevitables dudas dudas.

Un film complicado. Para muchos, no será la película que esperaban ver. Aquel que busque morbo en relación al tema, la Iglesia de la Cienciología, no lo encontrará. Sí hallarán un poliedro, un rompecabezas, con múltiples facetas, aristas y vértices. La película, arranca prodigiosamente con un retrato de la América de postguerra, de aquellos que regresan a la rutina de sus vidas, y que no consiguen adaptarse. No son los mismos al volver, y sus vidas quedarán marcadas por sus vivencias en la guerra. Presentan a un personaje, Freddie, con aire de misterio, y con profundas obsesiones. A medias entre un loco, o un retrasado mental... Todo ello sumado a un arraigado alcoholismo. Hasta este punto, la película transcurre rápida, ligera, desbocada. Cuando este personaje se cruza con esa especie de Iglesia, o secta..., todo se ralentiza. Pero, ese parón, contiene mucho cine. Una experiencia hipnótica, como una gran telaraña que nos atrapa, en la que las atmósferas sutiles y ambiguas dejan un poso inquietante. No es una película para salir de su proyección con la sensación de haber visto una gran obra, ni se puede terminar con una impresión de euforia por presenciar cine en estado puro. Más bien, se sale con interrogantes, con la necesidad de reposar toda la información, antes de dictaminar nada. Nadie se atreve a valorarla cuando los títulos de crédito aparecen. Hemos tardado en digerir este film. Y la verdad, es maravilloso.

Phoenix, está ante uno de los mejores papeles de su carrera. Creemos que se le podrá recordar por esta película en el futuro... Sin olvidar que podrá ser firme candidato a los premios de Hollywood. De Philip Seymour Hoffman, ya se sabe, cada día más sólido. Cuando creemos que no puede superarse, lo consigue. Excepcional.

Merece hacer una especial mención a la música de Jonny Greenwood, componente del grupo Radiohead, que acompaña perfectamente a las imágenes,  creando una espiral, en la que nos sumergimos, y a la que nos rendimos.

Paul Thomas Anderson, el director, de 42 años, demuestra que sus anteriores películas, no han sido producto de la casualidad, sino que lleva el cine dentro. Algunos lo clasifican como el Kubrik actual. Quizá sea mucho decir, por ahora. Pero no habrá que perderlo de vista.

Cine complejo, áspero en algunos aspectos, recreándose en su desarrollo en todo momento. Y que deja más de lo que creemos. Una obra maestra.

El festín de Babette

¡Buen provecho!

El festín de Babette (Babettes gæstebud, 1987)

Duración: 102 min. Director: Gabriel Axel. Guión: Gabriel Axel (Cuento: Isak Dinesen). Música: Per Norgard. Fotografía: Henning Kristiansen. Reparto: Stéphane Audran, Jean-Philipe Lafont, Gudmar Wivesson, Jarl Kulle, Bibi Andersson, Bodil Kjer, Brigitte Federspiel, Lisbeth Movin

1988: Globos de oro: Nominada mejor película de habla no inglesa.

En el siglo XIX, en una remota aldea de Dinamarca, dominada por el puritanismo, dos ancianas hermanas, que han permanecido solteras, recuerdan con nostalgia su lejana juventud y la rígida educación que las obligó a renunciar a la felicidad. La aparición de Babette, que llega desde París, huyendo del Terror, cambiará sus vidas. La recién llegada, tendrá pronto ocasión de corresponder a la bondad y al calor con que fue acogida. Un premio de lotería, le permite organizar una opulenta cena con los mejores platos y vinos de la gastronomía francesa. Todos los vecinos aceptan la invitación, pero se ponen previamente de acuerdo para no dar muestras de una satisfacción que sería pecaminosa. Pero, poco a poco, en un ceremonial intenso y emotivo, van cediendo a los placeres de la cocina francesa.

Pocas veces, llegas al cine y pegas un salto al ver la cartelera. Uno va dispuesto a ver algo nuevo, y se encuentra con esta película. Con motivo del 25º aniversario, algunas salas de cine han decidido volver a exhibirla. Un gran acierto, aunque sólo estuviéramos en la sala de cine, no más de tres personas.

Basada en un cuento de Dinesen, esta intimista película, muestra una lección de humildad, tanto en los medios que se utilizaron para realizarla, como la modestia que transmiten los personajes, en la que la sumisión a rechazar los placeres terrenales, se suple con una lección de humanismo. En todo caso, este film es una fábula sobre la búsqueda del equilibrio personal, y la renuncia a las pompas de la vida, más impuestas por la sociedad, que por la necesidad real de las mismas.

Un excelente prólogo, en forma de “flashback”, para introducir la verdadera historia, de la que no entenderíamos nada sin ese preludio. Después, Babette, comprenderá que puede ser feliz..., sin nada. Organizará un festín para agradecer encontrarse consigo misma. En estas fechas de banquetes familiares, en los que nada puede impedir que colmemos nuestras mesas con los manjares más suculentos, esta película, genera envidia por tan magnífico y sofisticado banquete. Y más, ver a sus protagonistas, aguantando el tipo estoicamente, sin mostrar ningún gesto de satisfacción, dado que su creencia no les permite disfrutar de algo tan simple como comer.

El cine relacionado con la comida es un clásico, casi un subgénero, y este film un referente clarísimo e imitado. Quizá, también sobre aspectos culinarios, o sobre el simple hecho de paladear, encontramos: “Comer beber, amar” de Ang Lee, “El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante” de Peter Greenaway, o “El discreto encanto de la burguesía” de Luis Buñuel.

Una película convertida en clásico con el paso del tiempo, un goce para los sentidos, con la belleza más pura.